Tres temporadas ha durado THE DEUCE, la penúltima aventura en pantalla del gran David Simon. Si pudo disponer de 5 temporadas y 60 episodios en The Wire para desarrollar su crónica la ciudad de Baltimore, 4 temporadas y 36 episodios en Treme para acercarnos a la Nueva Orleans post Katrina, ahora 3 temporadas y 25 episodios le han bastado para enlazar cinematográficamente la relación entre la industria del sexo y la profunda transformación sufrida por la ciudad de Nueva York en los últimos treinta años.

La historia que nos cuenta abarca desde principios de los 70 hasta mediados de los 80. Una década y media centrada en «The Deuce», el apodo de la calle 42 en sus cercanías a Time Square. Un barrio donde se concentraba el tráfico de drogas y la prostitución, pero también una considerable cultura underground al amparo de su gran vida nocturna. Es en esas calles y en esa vida nocturna donde David Simon sitúa una de sus clásicas estructuras corales para hablarnos del proceso de gentrificación del corazón de Manhattan.

En THE DEUCE no hay protagonistas principales. Ni secundarios. Porque en los guiones de Simon cada personaje es protagonista. Y aquí personajes hay muchísimos: prostitutas, proxenetas, mafiosos, camareros, policías, empresarios, políticos, pornógrafos, traficantes, activistas, ejecutivos, cineastas… Cada uno disfrutando de su pequeña trama y de sus momentos de gloria. Todos, como piezas de un puzzle, van construyendo con precisión el gran cuadro final. La habitual forma que un periodista vocacional como Simon suele usar para ofrecernos las panorámicas sociológicas de sus ciudades: a base de pequeñas crónicas.

En realidad, aquí, como en casi todas las series de David Simon, el personaje principal es la ciudad. Ese gran contenedor de pequeñas historias individuales que a modo de elementos químicos, se mezclan y reaccionan para crear algo diferente y con vida propia. THE DEUCE habla de muchas cosas y toca tantos temas que casi se hace difícil encontrar alguno que no aparezca de una forma u otra. Hablar de su argumento se hace complicado porque seguramente, a la hora de hacer una sinopsis, cada cual destacaría elementos diferentes. Baste decir que es una serie apasionante y aunque no es perfecta (solo The Wire lo es), nadie debería dejarla pasar.

Y no puedo acabar sin mencionar la banda sonora. Con una acción que se desarrolla fundamentalmente en garitos nocturnos del Nueva York de los años 70 y 80, lo que en ellos se escucha es todo un muestrario de la historia de la música de esas décadas: desde la explosión funk de inicio de los 70 hasta la nueva ola pasando por el punk. Toda una gozada para los que idolatramos musicalmente esas épocas y esos estilos. Y esa importancia de la música de cada época queda refrendada por las canciones que suenan en los títulos de créditos de apertura de cada una de la tres temporadas: nada menos que Curtis Mayfielf en la primera, Elvis Costello en la segunda y Blondie en la tercera. Insuperable.

joseluis garcés

 

 

 

 

Los que piensan que Chernobyl es la mejor serie del pasado año de la HBO, seguramente es porque no han visto OUR BOYS…

HBO lleva tiempo apostando por la expansión internacional mediante su asociación con reputadas cadenas y productoras de otros países para crear productos de calidad con denominación de origen local. El mejor ejemplo sería el de su partnership con la BBC, que este último año sin ir más lejos, ya nos ha dejado dos pequeñas joyas como Years and Years y Gentleman Jack. En el caso que hoy nos ocupa, la asociación ha sido con la productora israelí Keshet International, responsable por ejemplo de la serie original en que se basa Homeland. Además, al frente de la serie está nada menos que Hagai Levi, uno de los creadores de The Affair, una de las mejores series de la década. El resultado de esta unión de talentos ha sido la miniserie OUR BOYS, una producción rodeada de polémica desde el inicio, al tratar el infausto caso real del asesinato en Jerusalem de un niño árabe a manos de judíos ortodoxos.

La polémica alcanzó su cima cuando el propio presidente Netanyahu calificó la serie de antisemita. Un calificativo con el que los judíos ortodoxos más extremistas suelen calificar casi todo lo que no es abiertamente pro judío y anti árabe. Solamente desde este punto de vista fundamentalista se puede entender esa polémica, ya que el único defecto que se le puede achacar a la serie deriva precisamente de su intento de equidistancia y corrección política: la excesiva ralentización que provoca en la acción la voluntad de aproximarse a los hechos con extremada minuciosidad, casi como si de un documental se tratase.

OUR BOYS nos muestra el incómodo retrato de una sociedad fundamentada en la intolerancia y el odio alentados por la religión. Y cómo ese material inflamable provoca que el racismo, el fanatismo y la violencia formen parte de su día a día. Algo que debe ser bastante rentable para algunos a la vista de cómo este modelo de odio al diferente está proliferando en muchos países. Pero aparte de este lado social, lo mejor de la serie está en su retrato del lado humano. En el drama de unos personajes atrapados en unas circunstancias que les obligan a actuar más de acuerdo al papel que les ha tocado vivir que a sus propias conciencias.

Tras ver la serie, la verdad es que no entiendo muy bien la polémica suscitada porque a mí al menos me ha transmitido una relativa buena imagen del estado de Israel: aparentemente existe la separación de poderes y no parece utilizarse a los policías como fabuladores de argumentos para sentencias prevaricadoras. Qué envidia.

joseluis garcés

 

 

 

 

Excelente homenaje a la memoria de la grandiosa Arteha Franklin el estreno del documental AMAZING GRACE. Un homenaje devenido en fúnebre debido al veto de la propia cantante a su estreno en vida y que ahora han levantado sus herederos. Película cuestionable desde el punto de vista de la técnica cinematográfica, pero que seguramente quedará para la historia como hito y referente de los documentales musicales.

Lo que inicialmente, en 1972, iba a ser la filmación de la grabación en vivo en una iglesia baptista del primer álbum gospel de Aretha Franklin (digamos, adulta, porque sus primera grabaciones gospel fueron en su niñez) acabaría convirtiéndose en un proyecto bastante surrealista que ha tardado 47 años en ver la luz.

El llamativo acontecimiento de la vuelta a la música de sus orígenes de una de las reinas de las listas de éxitos pop del momento animó al director Sydney Pollack a involucrarse en la filmación del evento. Un director que había sido nominado al Oscar pero que aquí cometería errores técnicos imperdonables durante el rodaje que hicieron imposible montar la película. Lo que podría haber sido para Aretha Franklin la gran puerta de entrada al mundo del cine, acabó quedando en un montón de rollos de película mal claquetada en el trastero del señor Pollack. Afortunadamente, justo antes de morir en 2008, el director accedió a ceder esas cintas de su vergüenza al productor Alan Elliot que con las modernas técnicas pudo arreglar el desaguisado inicial para conseguir montar el film.

No sé si el resultado final de Alan Elliot que ahora podemos disfrutar está en línea con la idea inicial de Sydney Pollack, al que ya no le podemos preguntar. Pero desde un punto de vista puramente cinematográfico me llama la atención la aparente poca preparación de la puesta en escena para el rodaje. Desconozco las limitaciones impuestas por desarrollarse el rodaje en el interior de un templo, pero desde luego, la iluminación es lamentable y el horroroso interior de la iglesia, con una estética propia del salón de actos de un instituto de barrio, tampoco se intentó embellecer. Así, al comienzo de la cinta, cuando asistimos a los preparativos y momentos previos a la salida al escenario de los artistas, perece que estamos viendo la filmación casera de una representación de fin de curso. Afortunadamente esa sensación de cutrez dura exactamente hasta que empieza a sonar la música.

Con el Reverendo James Cleveland como maestro de ceremonias y su coro de gospel, The Southern California Community Choir acompañando junto con la propia banda de Aretha Franklin, ya desde la primera nota queda clara la presencia divina… de una diosa. La diosa del soul reconvertida para la ocasión en la diosa del gospel.

No hay palabras para describir la emoción que transmite Aretha cuando canta estas canciones de amor a su dios. Con la humilde actitud de una devota en el momento de la oración, de pie y prácticamente sin moverse tras un pequeño púlpito, irradia con su voz una colosal energía que le hace sudar a chorros ya desde la primera canción (impagable el momento en que su padre se acerca a secarle el sudor con un pañuelo…). Las imágenes, algo deslabazadas en el montaje, van mostrando las caras de asombro y la emoción de asistentes y participantes que cada uno externaliza a su manera (lágrimas, espasmos, bailes…). Esta agitación emocional arrastra también al propio reverendo Cleveland que en un momento dado incluso tiene que dejar de tocar el piano para abandonarse al llanto.

En el momento de escribir estas líneas, AMAZING GRACE se acaba de estrenar en cines, lo cual es una oportunidad única para disfrutarla en una pantalla grande y con buen sonido. Conozco pocas filmaciones de conciertos que consigan transmitir de verdad la fuerza de la música. Y no recuerdo ninguna que lo haga de manera tan continuada durante casi hora y media.

Aunque mi sentido visual pueda echar de menos una puesta en escena más acorde con la trascendencia del evento, agradeceré eternamente a Alan Elliot haber podido ser testigo, casi cincuenta años después, de un momento memorable en la historia músical del siglo XX, que mal que le pese a algunos, es básicamente la historia de la música negra.

joseluis garcés

 

 

 

 

La historia del músico joven y con talento que logra alcanzar cierta fama para acabar malogrando muchas de las expectativas debido a su adicción a las drogas es una de los argumentos principales en la trama de la historia de la música del siglo XX. Y si los casos más populares pertenecen a la historia del rock, éstos son una menudencia comparados con los acaecidos en el mundo del jazz.

Chet Baker fue una estrella del jazz pero muy al estilo de las figuras del rock. A principios de los años 50 y con poco más de veinte años alcanzó la popularidad llegando a ser elegido por algunos medios musicales como el mejor trompetista de jazz del momento. Seguramente no era tan bueno como por ejemplo, Miles Davis o Dizzy Gillespie, pero contaba con dos grandes ventajas sobre ellos: era blanco y guapo. Al igual que ocurriría con Elvis algunos meses después, un joven blanco conseguía hacer digerible una música eminentemente negra para conseguir el éxito entre el público americano.

El hecho de haber alcanzado la fama formando parte del quinteto de Gerry Mulligan donde casi todos eran heroinómanos y que su gran ídolo fuera Charlie Parker, otro de los ilustres yonquis del jazz, a menudo se ven como influencias básicas en la posterior adicción de Baker. Lo cierto es que durante más de 30 años, la vida de Chet Baker transcurrió circularmente entre la droga y los escenarios: se drogaba para poder tocar y tocaba para poderse drogar.

LET’S GET LOST es una película dirigida por Bruce Weber y estrenada en 1988, pocos meses después de la muerte de Chet Baker. Lo que en principio iba a ser un documental sobre una gira de conciertos por Europa, se acabó convirtiendo en un surrealista viaje por los últimos meses de vida del trompetista. Con entrevistas a amigos, compañeros y familiares y las confesiones y reflexiones del propio Baker, el film nos va dibujando la triste realidad de un viaje hacia la autodestrucción en su etapa final. Todo un testamento filmado que expone con dolorosa claridad la disparidad entre la persona y el artista.

Como curiosidad, decir que en el documental tiene una participación bastante importante (aunque escasamente acreditada) la cantante y musa de la new wave, Cherry Vanilla. Ella aportó buena parte de la producción y del guión y aparece en algunas escenas del film acompañando a Chet Baker durante el rodaje. También para los newwavers, comentar que el último tema interpretado por Chet Baker en la película es el Almost Blue de Elvis Costello en una curiosa versión plena de patetismo y sensibilidad.

joseluis garcés