Gran aficionado y conocedor de la música popular norteamericana, Warren Zanes ha publicado varios libros, es director de la Rock And Roll For Ever Foundation de Steve Van Zandt y ha participado en la elaboración de documentales como “George Harrison: Living In The Material World”, la muy atinada película que Scorsese hizo en 2011 sobre el “Beatle tranquilo”. Antes que todo ello, para quienes el Nuevo Rock Americano fue uno de los movimientos imprescindibles en la escena musical de la época (mediados dela década de los 80), Zanes era, sobre todo, el cantante, principal compositor y guitarrista de los Del Fuegos, una de las bandas más sobresalientes de aquel movimiento.

Y es ese un dato ciertamente significativo para comprender que “Petty”, la biografía que Zanes escribió en 2015 y que se acaba de editar en nuestro país, tiene más miga de lo que podría sospecharse.

Escrita sobre la base de infinidad de conversaciones con el propio Petty pero también con los Heartbreakers, la familia del músico y un montón de personajes relacionados con su trayectoria (productores, músicos contemporáneos, críticos, amigos de infancia, etc.), “Petty” retrata al personaje con tanta fidelidad y respeto como complicidad, gracias al conocimiento y la empatía de quien también ha vivido en la carretera y se ha batido el cobre con promotores, managers, productores, periodistas y directivos de compañías discográficas.

Profundo, a veces hasta quizá demasiado exhaustivo, certero y lleno de sensibilidad pero también de credibilidad, el relato que construye Zanes con la abundante documentación que recopila acaba convirtiéndose casi en una fascinante novela, en una epopeya del rock and roll con toda su grandeza pero también con sus no poco significativas miserias.

El libro aborda la infancia de Tom Petty, marcada por una pequeña ciudad característicamente sureña (y el carácter sureño  -“Southren Accents”  es el título de su sexto disco- resulta ser un protagonista esencial en esta historia), por la crueldad y la torpeza de su padre y la enfermedad de su madre; avanza con el relato de una adolescencia aún más perdida de lo normal en busca de la huida de un entorno asfixiante y, por supuesto, se centra en el desarrollo de una carrera firme y brillante aunque llena de sobresaltos, de alegrías y decepciones, de recompensas y contradicciones en la que la nada obvia personalidad de su protagonista queda magníficamente retratada por un Zanes que escribe con pulso, cercanía y naturalidad.

Pablo Carrero

  

 

El renombrado pianista -y ahora también escritor de éxito más que notable- James Rhodes dejó felizmente atrás los tiempos miserables en los que escapar del horror de su pasado constituía su objetivo primordial, la razón de su torturada existencia. Pero el camino hacia la redención es largo y tortuoso y si “Instrumental” relataba un doloroso rosario de ingresos en psiquiátricos, autolesiones, intentos de suicidio y tratamientos a la desesperada, “Fugas” se ocupa de un Rhodes asentado como concertista reputado y personaje público favorito de los medios de comunicación pero atormentado todavía por las secuelas de la terrible guerra psicológica que se vio obligado a librar durante décadas.

Escrito con un lenguaje fresco y desenfadado, “Fugas” tiene a menudo el desagradable tono de un libro de autoayuda (seguramente, en efecto, no es otra cosa que un -afortunadamente singular- libro de autoayuda), pero la personalidad de su autor, su sensibilidad y, especialmente, su sentido del humor, logran que su lectura se convierta un gozoso ejercicio de voyerismo, de intrusión en los vericuetos sentimentales y psicológicos de un personaje lleno de contradicciones, debilidades y fortalezas, que finalmente parece descubrir que dedicarse con éxito a la pasión de su vida, ser reconocido y vender montones de discos -y, por cierto, de libros- no está tan mal.

La música, por supuesto, constituye un elemento fundamental a lo largo de todo el relato. Y te hace empatizar con él -y hasta añorar esa bendita devoción por la música clásica- comprobar cómo la relación de Rhodes con Bach, Beethoven, Chopin o Rachmaninov es tan parecida a la que cualquier aficionado a la música pop pueda tener con los Beatles, Dylan o los Kinks.

 

Resulta ciertamente acertada, al servicio del ritmo y el fondo de la narración, la posición que adopta Viv Albertine para escribir este muy entretenido y por momentos emotivo volumen de memorias que acaba ofreciendo una personal pero completísima visión de un periodo único y fundamental de la cultura popular de las últimas décadas. Lejos de adjudicarse un papel protagonista en la revuelta punk del Londres del 77, Albertine sí saca enorme partido a su condición de testigo de primerísima fila de aquellos revueltos y excitantes tiempos.

Aunque sí se cuenta, naturalmente, la historia del grupo, no se trata, en efecto, de una biografía de las Slits (banda menor de la hornada punk con notable predicamento entre los seguidores de la versión más vanguardista y experimental del género), sino de un atractivo relato, en primera persona  y con todo el peso de su característica y atractiva personalidad, de buena parte de lo que pasaba en el Londres de la segunda mitad de los setenta.

Escrita sin mayores pretensiones pero con una grata espontaneidad y una atractiva combinación de crudeza y ternura, de agresividad y delicadeza, la primera parte del libro es una palpitante y vertiginosa acta notarial del nacimiento y encumbramiento del punk como género musical y movimiento cultural, con detallada y casi siempre generosa descripción de casi todos los personajes fundamentales de la escena, a quienes conoció bien de cerca, compartiendo casas ocupadas, grupos, escenarios y salidas nocturnas con muchos de ellos. Así, por las páginas de “Música ropa chicos” aparecen Joe Strummer o Mick Jones (novio de Viv), Malcolm McLaren, Sid Vicious, Chrissie Hynde, Johnny Thuners y una larguísimo y atractivo etcétera.

La segunda parte del libro narra, una vez terminada la aventura de las Slits, la historia de una Viv en busca de su lugar en el mundo. No es tan divertida y frenética (y apenas habla de música), pero descubre a una narradora sensible y honesta y describe un personaje verdaderamente fascinante, lleno de contradicciones y asediado por las dudas, acosado, además, por una vida llena de altibajos y golpes ciertamente dolorosos.

Pablo Carrero

 

 

“Escribir sobre música es como bailar sobre arquitectura” es una frase tal vez brillante o al menos ingeniosa que el crítico musical neoyorquino Alex Ross dice en su atractivo y certero ensayo “Escucha esto” haber sido atribuida a Martin Mull, Steve Martin o quizá a… Elvis Costello.

Felizmente, Xavier Valiño es muy partidario de bailar sobre arquitectura, tararear sobre literatura o, sobre todo, teclear sin descanso a propósito de esa incurable y bendita enfermedad que es la afición desmedida por la música pop. Porque es una obviedad que lo mejor que se puede hacer con la música es, naturalmente, escucharla, pero los musiqueros más vehementes saben que solamente un paso por detrás en su escala de prioridades está hablar sobre música. O, en su defecto, escribir.

En esta ocasión, Valiño se ha enfrentado una empresa particularmente valiente y ambiciosa, saliendo del envite, por cierto, con todos los honores.

Muy pocos músicos contemporáneos, en efecto, muestran tantas aristas, resultan tan completos y complejos, presentan una carrera tan prolífica y difícilmente abordable como Elvis Costello.

Sin haber logrado el éxito masivo más que de manera ciertamente puntual, el autobautizado como “Rey de la New Wave” superó su condición de pionero de una nueva generación de músicos inquietos sobrados de energía y de arrogancia que cambiaron de una vez y para siempre la escena musical de su país y del planeta para convertirse en una de las figuras más significativas y apreciadas del pop contemporáneo.

Aunque él mismo reniegue en cierta forma de algunos de ellos, sus discos más determinantes, los más reconocidos por la mayoría de sus seguidores, son precisamente aquellos en los que empezaba a tomar forma su singular y portentoso talento.

Los fans de Elvis Costello aprecian y regresan –regresamos- constantemente a esa joya de pop urgente y rabioso que es “My Aim Is True”, su fabuloso disco de debut que su propio protagonista no considera más que una “evidente imitación de varios cantantes y compositores americanos”;  se deleitan una y otra vez con dos álbumes quintaesenciales de la nueva ola británica como fueron “This Year´s Model” y “Armed Forces”; recuerdan con gozo infinito ese personal y acertadísimo homenaje al soul de los sesenta que es “Get Happy”; no dejan de asombrarse con la perfección, la intensidad y emotividad de las canciones que conforman el maravilloso “Trust”…

Más allá de su época más clásica y seguramente más inspirada, definitoria e influyente, Elvis Costello ha seguido construyendo una carrera que ha dado discos pletóricos y otros no tan acertados pero que, en cualquier caso, resulta enormemente sólida, rica y consistente en su conjunto.

Sus álbumes han gozado del privilegio de ser constantemente reeditados con mimo y dedicación, siempre bajo la atenta mirada de su celoso responsable, que se ha encargado de recuperar material adicional de sorprendente valía y de escribir jugosos textos que han hecho de estas suculentas reediciones piezas de indudable atractivo.

Además de revelarse como un inspiradísimo y formidable compositor desde sus mismos comienzos, Costello se ha caracterizado igualmente y de manera más que significativa por frecuentar el noble arte de la colaboración musical, nutriéndose del empuje y genialidad de sus coetáneos (Nick Lowe, Squeeze), alimentándose de sus maestros pero también aportándoles generosas dosis de su propio talento (Roger McGuinn, Paul McCartney), coqueteando osadamente con celebridades del universo clásico (The Brodsky Quartet, Anne Sofie von Otter) o logrando obras maestras al lado de veteranos intocables como Burt Bacharach o Alain Toussaint.

La buena noticia no es solamente que un plumilla de la veteranía y la solvencia de Xavier Valiño haya decidido ocuparse de tan atractivo y poliédrico personaje, sino, sobre todo, que, consciente de la relativamente abundante bibliografía disponible al respecto, lo ha hecho de una forma tan singular y original como concienzuda, logrando un volumen enormemente ameno, en el que se aborda la obra del londinense con ánimo más didáctico e ilustrativo que absolutamente exhaustivo.

Acomódense, pues, en su sillón de orejas favorito, tengan bien a mano los dispositivos electrónicos correspondientes con los que ambientar cada capítulo y deléitense con este trabajo de logradísimo equilibrio entre el conocimiento erudito, la solvencia profesional y la pasión de fan.

 

Pablo Carrero

4 de abril de 2016

 

 

Recomendar un libro de Pablo Carrero en el fanzine de Rock Indiana, puede parecer una más o menos justificable maniobra publicitaria. Pero en este caso, un servidor, que si de algo puede presumir es de nunca haberse dejado influenciar para pinchar una canción que no le gustara (cosa no banal en tiempos de pinchadas de cinco o seis horas en locales con público variopinto y chicas atractivas…), tampoco nunca recomendaría un libro que previamente no hubiera disfrutado. Este lo he disfrutado y mucho.

LETANÍA DE ABBEY ROAD es el primer libro (sin contar su coautoría en las ‘Guías de la Nueva Ola’)de Pablo Carrero, al cual no creo que haga falta presentar si estás leyendo este medio. Baste decir, que es desde hace más de 20 años, el responsable del mejor sello discográfico independiente que ha existido en esta zona del planeta. Su pasión por la música está fuera de toda duda para cualquiera que le conozca, a pesar de que según comentó él mismo en la presentación del libro, su propia madre tras leerlo, le dijo asombrada: «sabía que te gustaba mucho la música… pero no sabía que tanto…«. Una interesante conclusión teniendo en cuenta que LETANÍA DE ABBEY ROAD no es un libro de música ni sobre música. LETANÍA DE ABBEY ROAD es un libro con música.

LETANÍA DE ABBEY ROAD es un libro compuesto por cinco relatos situados en puntos distintos de la geografía vital de su autor. Cinco puntuales momentos en la vida de Pablo, donde breves viajes por cuestiones de trabajo, acaban convertidos en experiencias de profunda huella y largo recorrido en su trayecto existencial. Una huella en la memoria que seguro no hubiese sido igual sin esa banda sonora que acompañaba a su autor y que le ha funcionado como un fijador de emociones. Una banda sonora compuesta por unas canciones perdurables para muchos y posiblemente eternas para Pablo. Unas canciones que parecen estar sonando entre las líneas del libro. Si algunas grandes películas de Hitchcock son más grandes gracias a las bandas sonoras de Bernard Herrmann, LETANÍA DE ABBEY ROAD también resplandece de forma más intensa gracias a las canciones de Honeybus, Pretenders, los Kinks, Beatles u Otis Redding.

LETANÍA DE ABBEY ROAD, como ya he dicho, no es un libro de música, aunque por el libro circulen personajes secundarios como Bob Dylan, Camarón, Paul McCartney o el gran B.B. King. Tampoco es una autobiografía de Pablo ni trata sobre su mayor creación (con permiso de sus hijos…), Rock Indiana. Pero desde luego, estas cinco entretenidas y por momentos, divertidas y emotivas historias, representan fugaces ojeadas a una parte del interior de Pablo Carrero que permiten entender mejor tanto a su persona como la génesis causal de nuestro sello favorito.

joseluis garcés

 

Nota: después de haber escrito esta pequeño artículo, he descubierto que nuestro amigo Paco Pepe Gil también ha dedicado en su web un comentario al libro acompañado de una pequeña entrevista al autor.  Puedes pinchar AQUÍ para leerlo.